martes, 28 de marzo de 2017

#AlienCovenant; Tráiler escalofriante de la secuela de Prometheus


Te dejamos un regalo a todos los amantes del cine. Sólo unos días después del primer vistazo a la secuela de 'Blade Runner', aquí tenemos el tráiler de 'Alien: Covenant', nueva entrega de la otra saga de ciencia-ficción iniciada por Scott, que también vuelve en 2017. La secuela de 'Prometheus' (2012), parece recuperar el tono del film original y su primer avance es escalofriante y brutal.

El mes pasado vimos el primer póster de la película, que vuelve a estar dirigida por Scott y donde repiten Michael Fassbender (por partida doble), Noomi Rapace y Guy Pearce. Las principales novedades del reparto son Katherine Waterston, Carmen Ejogo, Billy Crudup, Demián Bichir, Danny McBride y James Franco; curiosamente las dos primeras actrices coinciden también en otra superproducción, la estupenda 'Animales fantásticos y dónde encontrarlos', aún en cartelera.


En unas declaraciones para EW, Ridley Scott dice que, a diferencia de 'Prometheus', 'Alien: Covenant' responderá a todas las preguntas que plantea: "Va a mostraros quién lo hizo y por qué". "Es difícil asustar a la gente. Es mucho más fácil hacer reír. ¿Acojonar de verdad a alguien? Eso es difícil", ha declado Scott. ¿Estás de acuerdo con él, crees que asustar es más complicado que hacer reír?

'Alien Covenant' se estrena el 19 de mayo. El guion lo ha escrito John Logan('Gladiator') a partir de una historia de Jack Paglen ('Transcendence') y Michael Green ('Green Lantern'). A continuación dejo la sinopsis oficial:


Con rumbo a un remoto planeta en la parte más alejada de la galaxia, la tripulación de la nave colonial Covenant descubre lo que parece ser un paraíso inexplorado, cuando en realidad es un oscuro y peligroso mundo — cuyo único habitante es el "sintético" David (Fassbender), superviviente de la maldita expedición Prometheus.


 

lunes, 27 de marzo de 2017

#PanicoYLocuraEnLasVegas: Cine Bizarro



Más de 25 años se necesitaron para que un escritor visionario fuera llevado a la pantalla por un director visionario. Terry Gilliam muestra una vez más –como lo hiciera en Brazil, Las aventuras del Barón Munchausen, El pescador de ilusiones– que tiene lo que hay que tener para representar el mundo de lo onírico: talento.


No se trata tanto de la historia sino de la manera de contarla, y de la crítica subyacente en ella –que se hace más explícita en el título de la novela original: Pánico y locura en Las Vegas: un viaje salvaje al corazón del sueño americano.


Y es que Hunter S. Thompson “siguió ahí, persiguiendo ese sueño, buscándolo con furia, deseando que el sueño todavía existiera, y todo lo que encontró fue locura en cada dirección, tragedia y avaricia. Este libro representó una gran búsqueda para Hunter, y al mismo tiempo una especie de exorcismo.” (1)


Hunter Stockton Thompson


Thompson, periodista y escritor estadounidense, creó el “periodismo gonzo” (2) allá por 1970 siendo columnista de la Rolling Stone. El gonzo vino de la mano del “movimiento beat” y del “nuevo periodismo”, corrientes literarias de vanguardia de los años ‘50 y ’60 que abogaban por una escritura libre y desinhibida. El periodismo gonzo plantea un abordaje directo del objeto (la noticia), llegando hasta el punto de influir en ella, y convirtiendo al periodista en parte importante de la historia, como un actor más; al estar inmerso en la realidad que observa, suele retratar también el entorno social que rodea a los acontecimientos, con juicios de valor y elementos más literarios que periodísticos. Se vale, asimismo, de la descripción copiosa del consumo de drogas y alcohol como otro factor que distorsiona la visión objetiva y que otorga la motivación al periodista.


La novela Pánico y locura en Las Vegas: un viaje salvaje al corazón del sueño americano es el resultado de un viaje que Hunter hizo en 1971 con su amigo y socio Oscar Zeta Acosta, célebre abogado y activista chicano, para cubrir la carrera de motos “Mint 400” en Las Vegas. Como él mismo manifestó, su idea era “comprar un cuaderno gordo y tomar nota de todo tal como fuera sucediendo, y luego enviar el cuaderno directamente a publicar, sin ningún tipo de edición.” (3) Pero debido a la dificultad de este periodismo espontáneo –teniendo en cuenta las condiciones del viaje– Thompson escribió lo ocurrido al finalizar dicha experiencia, en forma de capítulos con un estilo esencialmente ficticio que se irían publicando en la Rolling Stone.


A la pantalla


Terry Gilliam logra captar la esencia del relato en una suerte de road movie totalmente inmersa en la atmósfera socio-cultural de la época, con una fuerte crítica al gobierno estadounidense. Si hay algo que aplaudirle al director es el haber plasmado tan precisamente la subjetividad propia del periodismo gonzo en la película.


Los personajes de Raoul Duke y Dr. Gonzo –alter egos de Thompson y Zeta Acosta, respectivamente (y díganme si el nombre del segundo no es un guiño) –están la mayor parte del tiempo bajo el efecto de todo tipo de drogas, lo cual resulta un factor atractivo a la hora de representar la visión de los protagonistas. Gilliam lo hace mediante muchas y muy variadas herramientas: una cámara que se mueve al son de la dupla en su estado narcotizado, en un “encuadre desordenado” de “función rítmica” en términos de Marcel Martin; (4) ritmo que se da también por los primeros planos y las tomas cortas que dinamizan el relato y otorgan mayor valor a la expresividad de los actores; se utiliza mucho el contrapicado y un lente gran angular –adecuado si los hay para efectos psicodélicos–.


Cabe destacar que –si bien la focalización está puesta en Duke– no hay mucha cámara subjetiva, sino que el acento recae sobre el manejo de procedimientos narrativos subjetivos tendientes a expresar tanto el “contenido mental” del personaje (recuerdos, alucinaciones) como su “conducta mental” (modificación de la apariencia normal de los seres, de las cosas o del decorado como resultado de los estupefacientes). Para esto, el ex-Monty Python recurre a una serie de “trucos visibles” como la cámara lenta, stop motion, distorsión de imagen y sonido, transformación del color mediante filtros, modificación de la iluminación ambiental, y por qué no efectos especiales que se encargan de darnos una visión extraordinaria de acontecimientos ordinarios –y si no pregúntenle a los huéspedes del hotel si siempre fueron reptiles monstruosos, si la alfombra siempre estuvo llena de sangre y con sus arabescos trepando las paredes, si los maníes se convierten en gusanos en un fundido encadenado para dar transición a este mundo de reptilia delirantum–. (5) Pero lo destacable, a fin de cuentas, es que estos procedimientos son empleados de modo “irrealista” (u “objetivo”), ya que el protagonista mismo aparece en el plano que materializa sus sentimientos –el punto de vista de la cámara es el del espectador, que a la vez tiene ante sí al personaje y al objeto o efecto de su actitud psíquica actual–. (6) Creo que esta audacia expresiva es harto interesante, hace que la película sea ésta y no otra, y que se destaque justamente por sumergir al espectador en una marea de pánico y locura difícil de rechazar.


Otro elemento envolvente es la voz en off de Raoul Duke, que acompaña toda la película: en pasado durante los flashbacks, pero también en presente y volviéndose subjetiva en los monólogos a veces interiores, a veces in –sobreimpresión sonora off/in– en esta ensalada completa que nos ofrece Gilliam.


Pasemos ahora a la época que representa el film: fines de los ’60, principio de los ’70. Psicodelia que se ve en el vestuario, la música –bandas como Gran Hermano y la sociedad holding, The Yardbirds, Jefferson Airplane–, el consumo de drogas, la iluminación y decoración de las locaciones. (7) Y qué locación Las Vegas, llena de colores, luces, ritmo, ruidos y sueños que nunca va a cumplir. O tal vez sí. Eso se pregunta el doble de Hunter Thompson en su Cadillac, mientras trata de cubrir “a lo gonzo” una carrera de motos en esa imponente ciudad, dueña y promotora del consumismo y el “sueño americano”. Doctor Gonzo y su compañero van en busca de este sueño, en cierto sentido, para descubrir que ya no existe, que es sólo una construcción falaz; sólo encuentran rechazo e hipocresía por parte de los “buenos americanos”. Hay también una fuerte crítica a la guerra de Vietnam. De principio a fin, la guerra se hace omnipresente: en los televisores que aparecen por doquier –apilados como señal de su poder–, en las alucinaciones de Raoul donde las imágenes bélicas escapan del aparato y se desplazan por las paredes de la habitación, donde la iluminación se vuelve intermitente simulando bombardeos, donde el fotógrafo Lacerda de repente es un soldado y la carrera de motos un campo de batalla. No quisiera olvidarme de la bandera yanqui que la dupla explosiva lleva a todos lados como símbolo de su patriotismo –quizás hasta irónicamente–. La flamean en el descapotable, la usan de toalla en la playa, de cortina, sábana y mantel en el hotel; la usan hasta dejarla agujereada, sucia, deshilachada. Aparece, entonces, no como símbolo de la patria sino de lo que sus gobernantes hicieron con ella. Es el ocaso de una nación de igualdad de libertades y oportunidades, el canto final y nada heroico del sueño americano y de lo que alguna vez fue su contrapartida: los hippies y su cultura.


Y es que Gonzo y Duke no quieren perder la energía de los ’60 pero tropiezan con la droga y la violencia, y los congresos de policías destinados a erradicarlos. Es por eso que Raoul, al despertar en una habitación destrozada y teniendo que recurrir a su grabadora para construir el rompecabezas de una elipsis mental, lanza una reflexión refulgente en lo que será el final de la película: “Ahora estamos programados para sobrevivir. Se acabó la energía vital de los ’60. Ésa fue la falla mortal de Timothy Leary. (8) Dio tumbos por todo el país, dando sermones de conciencia, sin jamás haber considerado las realidades sombrías que aguardaban a aquellos que lo tomaban en serio. Todos esos ávidos de ácido que creían que la lucidez y la paz se lograban con $3 de droga. Pero nosotros también hemos fracasado. Lo que se desplomó junto con Leary fue el ilusorio estilo de vida que él había ayudado a crear. Una generación de inválidos, de pioneros fracasados que nunca comprendieron la falacia esencial de su cultura: la triste hipótesis de que alguien, o alguna potencia al menos, estuviese velando la luz al final del túnel.”

Pánico y locura en Las Vegas

Fear and loathing in Las Vegas
Terry Gilliam, 1998

sábado, 25 de marzo de 2017

#CasiLeyendas La nueva comedia Argentina


La nueva película dirigida por Gabriel Nesci es la tercera más vista del país, después de Logan y el re-make de King Kong. Con la actuacion brillante de un Pereti siempre sencillo y de un Diego Torres que cada vez le cabe mejor el papel de actor, esta producción Española-Argentina nos deleita con la posibilidad de soñar aún cuando los sueños se fueron hace ya mucho tiempo.

Podrán Javier, Lucas, y Axel ser estrellas de la música rock? O será otra historia que nos enseña que la vida no siempre es como en las películas?
Por lo pronto, nos hara reír y quizás llorar. No se la pierdan, en todos los cines.

viernes, 24 de marzo de 2017

#Fragmentado: Reseña de la película


#Fragmentado: Reseña de la película


Este 17 de marzo llega la última película de uno de los directores de culto, del genero suspenso, más importantes de las últimas décadas, el Sr. M. Night Shyamalan; ahora, no sé porque se hizo tanta fama este director, si sus últimas películas fueron de malas a fiascos muy rápidamente, pero el efecto “sexto sentido” y “la aldea” le duro tanto, que cualquier película que tiene su nombre en la dirección o la producción, corremos a verla.

Así que muchas personas querrán ver la película Fragmentado solo por su director, eso o el hecho de que todas las películas que protagoniza James McAvoy valen la pena.

Y tengo que darte una buena noticia, esta peli si está buena; afortunadamente M. Night Shyamalan regresó al bueno camino del suspenso puro, que combina ficción, fantasía y eventos sobrenaturales, en una historia oscura que te sorprende y te deja pensando, además James McAvoy se luce y puede ofrecernos un personaje tan complejo y tan Fragmentado que muestra diversas personalidades, emociones y matices en una sola actuación.


Creo que eso es lo más sorprendente de la película Fragmentado, la actuación de su protagonista, que nos demuestra una serie de emociones que impresionan, además el guion está interesante, es creíble y las demás actuaciones de esta cinta complementan bastante bien toda la trama.

Tengo que reconocer que después de las últimas películas de Shyamalan estaba algo escéptica, pero conforme la película Fragmentado avanza y de forma muy rápido, te sumerges por completo en lo que está pasando y por completo compras la idea de que es un wey bien loco, con muchas personalidades múltiples, algunas de ellas muy peligrosas, que hará sufrir no solo a sus secuestradas, sino a toda la audiencia.

Esta cinta de suspenso me recordó mucho Psicosis con el intenso personaje de Norman Bates y también me recordó la emoción que tenía cuando vi el Sexto Sentido.

**Alerta de spoilers**

Mi única queja sería que todas las películas de Shyamalan, literal, todas tienen un twist final, excepto esta, qué tal cual se desarrolla la trama concluye en esa misma línea.

Otro spoiler, la película Fragmentado también ofrece un guiño a otra de sus películas, Unbreakable, y al final vemos a Willis hablando de la cinta pasada.

Si te gustan las películas de suspenso, drama y misterio te recomiendo que vayas a ver la película Fragmentado.


jueves, 23 de marzo de 2017

The Big Bang Theory renovó por dos temporadas más



Por fin es OFICIAL: The Big Bang Theory continuará como mínimo hasta 2019.

Tras varios meses de cierta incertidumbre, CBS ha anunciado la renovación de su comedia más exitosa por dos entregas más, de modo que la serie tendrá temporada 11 y temporada 12 respectivamente, tras la décima entrega que actualmente se emite en la cadena estadounidense.

A pesar de ser una de las series más vistas, la renovación de The Big Bang Theory no ha sido tarea fácil y, de hecho, han sido necesarios varios meses de negociaciones. No obstante, todos los factores involucrados en la renovación -cadena, productora y equipo técnico y artístico- se mostraban interesados en continuar. El último bache en el camino de la renovación terminaron por ser los contratos de Mayim Bialik (Amy) y Melissa Rauch (Bernadette), que cobraban una cantidad escandalosamente inferior a la del resto de miembros del reparto.

Según informa Deadline, las actrices todavía no han terminado de negociar sus contratos, pero se espera que lleguen a buen puerto de forma casi inminente. Si todo sale según lo previsto, Rauch y Bialik cobrarían 500.000 dólares por episodio, frente a los 900.000 dólares que gana el resto. En la situación anterior, la diferencia de salario era de 200.000 dólares frente a un millón y Jim Parsons (Sheldon), Kaley Cuoco (Penny), Johnny Galecki (Leonard), Simon Helberg (Howard) y Kunal Nayyar (Raj) se han ofrecido voluntariamente a cobrar menos para ayudar a sus compañeras.

La noticia de la renovación llega tan sólo una semana después del encargo por parte de CBS de la producción del piloto Young Sheldon, un 'spin-off' centrado en el personaje de Jim Parsons durante su preadolescencia en Texas.

Aqui te dejamos 10 curiosidades que no sabias de Big Bang Theory

martes, 21 de marzo de 2017

Into the wild. Un viaje, una búsqueda.




Al graduarse en la universidad, Christopher McCandless (Emile Hirsch), un joven de 22 años al que todos auguran un brillante futuro, decide dejar atrás su cómoda vida en busca de aventuras. El periplo del joven trotamundos le convirtió en un símbolo para muchas personas. ¿Fue Christopher McCandless un heroico aventurero o un idealista ingenuo, un Thoreau rebelde de los noventa u otro americano perdido, un temerario o una trágica figura que vivió en el precario equilibrio existente entre el hombre y la naturaleza?

Cada paso de su viaje está reflejado en la adaptación que realiza Sean Penn del aclamado superventas de Jon Krakauer, Hacia rutas salvajes, que habla de la insaciable añoranza de la familia, el hogar y los amigos, y de la búsqueda de la verdad y la felicidad.


El espíritu inquieto de Christopher McCandless le llevó desde los inmensos campos de trigo de Dakota del Sur a un peligroso descenso por el río Colorado hasta Slab City, California, un refugio de inconformistas, y mucho más allá. En su camino, conoció a numerosos personajes pintorescos que no encajaban en la sociedad estadounidense. Estos le ayudaron a comprender la vida, y él, a su vez, les cambió. Al final decidió ponerse a prueba adentrándose solo en los bosques del Gran Norte, donde todo lo que había visto, aprendido y sentido se materializó como nunca lo había imaginado.

#CríticaDelDía: Logan






De todos los X-Men, el personaje de Lobezno ha sido el que ha recibido mayor cantidad de minutos en la pantalla. Desde el año 2000 hemos visto cómo James Howlett (verdadero nombre de Wolverine) ha ido evolucionando poco a poco a lo largo de 17 años, pasando de ser un hombre solitario a un héroe caído ahora en Logan, la tercera cinta individual del miembro más salvaje y con mayor carácter de la Patrulla X. Aviso: Esta crítica no contiene spoilers.


No parece necesario que digamos que Logan es la mejor de las tres películas individuales de Lobezno. Tan solo con ver el tráiler cada uno es capaz de percatarse de la trama y la calidad del film. Por suerte, Logan no solo supera a sus dos entregas antecesoras, sino que es además una de las mejores películas de 20th Century Fox protagonizada por mutantes, sin superar a Deadpool y Días del futuro pasado, pero colocándose fácilmente en el top 5.
El actor Hugh Jackman se despide de uno de los papeles más importantes de su carrera en 'Logan'.

Es difícil de creer que James Mangold, cineasta responsable de Lobezno inmortal, sea el mismo director en la cinta que cierra la trilogía del mutante con garras de adamantium. Parece que Mangold ha querido redimirse de sus errores cometidos en 2013 y ha decidido echar toda la carne en el asador para presentar al fin una película que rinda homenaje a uno de los superhéroes más populares de la factoría Marvel. Otra pista que da a entender que Logan es una película muy recomendable para los fans de las adaptaciones del cómic a la gran pantalla ha sido la dura decisión de Hugh Jackman, ya que el actor australiano se despide de su papel de Wolverine, dejándolo en lo más alto de su proyección cinematográfica. Al igual que Jackman, Patrick Stewart sintió lo mismo que él al ver la película y decidió que su trabajo como Charles Xavier también había finalizado.

Veremos más historias de los personajes de X-Men? Seguramente. Siempre hay mas historias por contar.